SENI ARCA

Sculpture, Arca

Maksud Arca

Arca merupakan hasil seni berbentuk 3 dimensi ( 3D ). Arca berasal daripada perkataan ‘ sculpture ’ yang beerti mengukir, memotong, menebuk atau melarik. Biasanya arca diletakkan di dalam suatu ruang untuk tujuan pameran. Nilai estetiknya dapat dihayati dengan pancaindera. Permukaan arca boleh dipegang dan arca boleh dipandang dari pelbagai sudut pandangan. Arca juga terdapat dalam bentuk realistik atau bentuk abstrak.

Banyak arca dicipta melalui tempahan untuk memperingati sesuatu peristiwa bersejarah, atau kehidupan seorang tokoh. Arca bertujuan sebagai seni awam yang dipamerkan di luar, tetapi kekadangnya juga dipamerkan di dalam bangunan awam untuk menegaskan sesuatu dengan cara yang lebih ketara daripada apa yang boleh ditekankan melalui penggunaan perkataan.
Menjelang abad ke dua puluh, apabila seni mencapai dimensi baru, arca berubah kepada ciri abstrak dan membuka era baru dalam peradaban arca. Kategori arca boleh dibahagikan kepada dua iaitu arca estetik dan arca berfungsi.
Ciri-Ciri Arca yang baik dan kreatif

Arca yang kreatif dan baik haruslah dihasilkan menepati tema dan tajuk yang ingin diketengahkan oleh pengkarya. Kebiasaannya pengkarya ingin berkongsi tema bersama dengan pengarca yang lain. Tema yang ingin diketengahkan seperti perkongsian maklumat, dokumentasi, lonjakan paradigma, cetusan emosi dan perasaan. Semua persoalan yang ingin diketengahkan haruslah ada pada arca yang dihasilkan dan mampu menonjolkan persoalan berkenaan melalui hasilan pengkarya.

Bahan binaan arca juga haruslah sesuai dengan tujuan hasilan. Dalam pengkaryaan arca, asemblaj mewakili karya yang agak bebas dan pelbagai penggunaan bahan dan media. Maka dengan itu kesepaduan dalam pelbagai penggunaan bahan dan media dapat menjadikan sesuatu arca yang kreatif dan menepati ciri-ciri sebuah arca bersesuaian denga tema.
Arca yang baik haruslah kukuh, kuat, selamat dan tahan lama. Sejarah arca membuktikan bahawa sebuah arca yang baik menggunakan alat dan bahan terdiri daripada kombinasi yang padat dan kukuh.

Pengkarya arca akan dianggap dapat menghasilkan sebuah arca yang baik apabila berjaya mempelbagaikan bahan yang diadun atau dipasang dengan baik. Arca khususnya asemblaj mengadunkan pelbagai bahan lalu membentuk kesatuan komposisi yang artistik.Arca yang baik dan kreatif juga haruslah berjaya mengaplikasikan asas seni reka, estetika dan etika pengkaryaan. Objek akan digubah berdasarkan asas seni reka. Apabila asas seni reka ini diaplikasikan dengan baik dan betul, penampilan karya akan menjadi lebih terancang dan rapi.

Akhir sekali yang paling penting dalam menhasilkan sebuah arca yang baik dan kreatif ialah arca berkenaan haruslah bebas daripada ciplakan atau plagiat. Sebagai pengkarya yang memahami hakikat keaslian, ciplakan adalah satu kelemahan lebih-lebih lagi jika penghasilannya bertujuan komersial. Arca yang dihasilkan haruslah hanya satu dan tiada ditempat lain.

MENIKMATI DAN MENGHAYATI SENI ARCA

JIKA arca boleh dinikmati di sekeliling ruang, boleh dihayati dan disentuh seluruh permukaannya, tentu arca itu suatu objek yang istimewa. Ia menawarkan kepada penikmat untuk menghayati bentuk, kepadatan, saiz, isipadu di samping meletakkan emosi rasa bersamanya. Tentu lebih istimewa lagi, apabila arca dijadikan penghias laman. Menggubah ruang menjadi lebih indah dan bermakna. Arca boleh diletakkan pada lantai, digantung, pindah alih, dibiarkan tetap atau dapat dipasang dan dibuka.

Fungsi arca dan manfaat kepada orang ramai juga tidak dapat dinafikan di samping keindahannya. Itulah interpritasi yang meletakkan nilai arca sebagai suatu objek seni dan berfungsi.

Perkataan arca yang berasal dari perkataan Latin ‘sculpere’ merujuk makna pada proses ukiran dan potongan. Dalam zaman Greek, bentuk tubuh manusia juga dianggap arca yang meliputi susunan fizikal iaitu harmonis, seimbang dan perhubungan jitu dalam keseluruhan bahagian. Segalanya ini adalah konsep penyusunan artistik yang menjadi sebahagian daripada definisi apa itu arca.

Peralihan masa, merubah perkembangan seni arca ke arah moden yang melihat perubahan sains dan mesin sebagai teknologi hinggakan arca distrukturkan menjadi abstrak dalam seni. Manakala fungsinya turut berubah dari nilai indah digabung kepada sifat yang berfungsi seperti automotif, telefon, peralatan industri, perabut dan bangunan. Namun sifat-sifat asli sesebuah arca itu masih kekal mengikut prinsip harmoni, kadar banding, keseimbangan dan kepelbagaian.

Jika demikian apakah perbezaan antara arca dengan sebuah kerusi? Arca boleh diolah daripada objek lain menjadi satu rupa wajah yang baharu. Himpunan objek-objek sedia ada atau komponen-komponen sebahagian daripada objek asal dieksploitasi dan diolah sebagai untuk kewujudan satu objek baharu. Jika kerusi diletakkan pada situasi ini, maka ia diberi tafsiran sebagai arca. Dengan kedudukannya yang boleh berfungsi serta sekaligus membawa nilai-nilai estetika dari segi reka bentuk, keseimbangan, pengisian ruang dan pembikinannya boleh membantu kita menjadi jelas.

Sejauhmanakah kerusi itu diterima sebagai arca? Ini merupakan persoalan penghayatan dan kefahaman konsep yang boleh dirujuk pada Joseph Kosuth yang menafsir kerusi dalam karyanya “One and Three Chaire”. Di dalam karya tersebut dijelaskan tiga perbezaan realiti pada sebuah kerusi. Pertamanya ialah realiti pada kerusi sebenar yang boleh disentuh dan boleh dilihat dalam fotografi dengan imej yang sama serta satu definisi, apa itu kerusi, petikan dari kamus, dicetak dan ditampal pada dinding. Realiti kedua ialah fotografi tentang kerusi sahaja, tetapi imejnya dalam ilusi. Realiti ketiga ialah definisi secara lisan yang jelas menerangkan tentang sebuah kerusi.

Kesimpulan yang dinyatakan oleh Joseph ialah idea tentang bentuk yang diberi definisinya telah meletakkan makna kerusi itu dalam minda dan ia adalah realiti berhubung konsepsual. Karya ini menonjolkan idea tentang sebuah kerusi menerusi pendekatan makna atau ‘signifying’. Dari hujahan ini kerusi boleh ditafsir sebagai arca dan cara Joseph berkreatif menyampaikan ideanya yang menjurus kepada seni yang dipanggil seni konsepsual. Aliran seni konsepsual mula diperkenalkan pada awal 1960-an yang mengenengahkan falsafah artistik secara ekspresif yang menjadi penerokaan kepada penganut seni Dada.

Contoh karya yang mengeksploitasikan objek-objek seni sedia ada yang digelar objek ‘ready-mades’ telah mengangkat seni arca ke arah dimensi baru. Seniman Marcel Duchamp telah mempelopori penerokaan ini melalui objek mangkuk tandas. Manakala di Malaysia, contoh terdekat ialah Piyadasa yang menjadikan kerusi sebagai arca dan digabungkan bersama sifat dan ciri-ciri dua dimensi. Melalui cara ini penampilan dan peragaan sebuah hasil seni arca boleh dikaitkan dengan pendekatan seni konsepsual.

Seniman seni konsepsual begitu taksub dengan idea atau konsep sebagai permulaan yang dianggap penting dalam sesebuah karya. Segala perancangan dan keputusan yang dibuat sebelum berkarya dianggap idea yang bernilai seperti sebuah mesin yang menghasilkan karya seni dengan meletakkan idea dalam minda itu lebih penting sebelum objek seni sebenar wujud.

Sebagai objek yang tergolong bercirikan seni arca proses pembikinannya menggabungkan kemahiran pertukangan sebagai kemahiran menghasilkan kraf yang sama seperti dilalui dalam proses membuat sebuah kerusi. Kepingan dan batang-batang kayu dipotong untuk djadikan sebuah kerusi. Dengan teknik pertukangan, pengalaman membuatnya melibatkan kemahiran bersama ilmu estetik.

Keyakinan ini meletakkan objek-objek kraf bertambah dan mengalami perubahan reka bentuk sama seperti lukisan dan arca. Objek-objek ini dipilih untuk menghiasi ruang dalaman bagi mengisi sebahagian daripada persekitaran. Objek seni arca ini dihormati dan diberi peluang selain melihat ia juga boleh disentuh sama seperti kita menghayati objek-objek seni halus yang lain. Kesimpulannya, kerusi itu adalah objek kraf yang sekaligus sebagai objek arca. Juga tidak perlu dipertikaikan kerana kerusi itu memiliki rupa bentuk tiga dimensi maka ia juga adalah sebahagian daripada arca.

Lebih jelas lagi dalam menghubungkan kerusi sebagai sebahagian daripada arca dapat dibuktikan melalui salah satu dari empat cara tradisi dalam mencipta sesuatu objek arca, iaitu:

• Mengukir ke atas bahan yang keras dan pejal.
• Membentuk model dari bahan lembut.
• Tuangan cecair lebur yang terbentuk objek keras.
• Pemasangan bahan yang boleh disambung.

Maka jelas di sini, kempat-empat cara mencipta tadi telah menepati cara merekacipta sebuah kerusi sekaligus sebagai sebuah arca. Untuk pemasangan perlu kemahiran pertukangan seperti membuat tanggam dan sebagainya yang ada pada seorang kraf, juga perlu ada pada seorang pengarca. Jika ia sebuah kerusi kayu, maka perlu ditanggam atau dipaku. Jika ia sebuah kerusi besi, perlu kemahiran memotong dan megimpal.

Bagi Frank Lloyd Wright pengamal seni Bauhaus, beliau mengabungkan binaan, kejuruteraan dan seni ke dalam reka bentuk yang berhubungan dengan persekitaran. Kesatuan dalam idea diekspresikan menjadi kerusi dan Wright meletakkan objek kerusi dengan keseimbangan formal bersama unsur-unsur yang ada di dalam arca seperti pengulangan, kadar banding dan kehalusan.

Manakala ciptaan kerusi oleh Michael Coffey pada tahun 1975 dapat dirumuskan sebagai sebahagian daripada bentuk-bentuk kerusi yang disusun semula secara bebas bagi melahirkan sesuatu yang baharu. Bentuk baharu yang menjadi objek arca masih berdiri dengan ciri-ciri sebuah kerusi yang dibantu sebahagiannya dengan konsep seni arca kontemporari.

Kesimpulannya tidak banyak beza antara arca dengan sebuah kerusi. Secara langsungnya kerusi begitu mudah dieksploitasi menjadi arca sehingga nilai kerusi itu lebih tinggi dari sifatnya yang asal. Segala-galanya menjadi realiti apabila dalam minda itu terbina idea dan konsep untuk menjadikan kerusi itu raksaksa, kerusi antik, kerusi eletrik, kerusi Yang diPertuan Agong, kerusi malas, kerusi roda dan sebagainya. Jika begitu adakah boleh arca juga dimanipulasikan menjadi sebuah kerusi?

Arca dari sudut psikologi terbina daripada kesedaran dan pengalaman yang berkaitan dengan hidup. Apresiasi terhadap seni arca bergantung kepada kebolehan mengamati dan mentafsir bentuk tiga dimensi itu sendiri. Cara ini, arca dapat diterangkan dengan mudah. Jika sebelumnya dianggap salah satu seni yang sukar untuk dijelaskan, lebih sukar lagi dalam membuat apresiasi berbanding seni-seni yang lain yang mana seni lain melibatkan bentuk-bentuk rataan dalam dua dimensi. Bagi kita yang penting ialah belajar melihat hasil seni arca bukan sekadar untuk memahami rupa bentuknya, tetapi perlu memahami jarak kedalaman bentuk arca itu dan secara ilusinya memperkayakan pengamatan. Di sebalik karya tiga dimensi, unsur apresiasi perlu diperkembangkan terutama makna dalaman yang setiap satunya berbeza makna.

Pada asasnya untuk mendapatkan kepuasan apabila menatapi sesebuah arca memerlukan sentuhan selain melihat dari dekat dan mengelilingi arca tersebut. Fikiran yang menggambarkan sesuatu bentuk itu rata dan persepsi tersebut sahaja tidak mencukupi tanpa penghayatan. Jika tidak, ramai lagi yang bukan sahaja ‘buta bentuk’ malah langsung tidak menggunakan fikiran dan emosi sebagai keperluan membantu memahami bentuk-bentuk tiga dimensi dalam keseluruhan karya seni arca.

Arcawan perlu memikirkan bentuk-bentuk di setiap sudut yang membawa pengertian dan saling berkait. Bentuk-bentuk dan bentuk dalam bentuk yang membawa fungsi secara keseluruhan, mudah atau sukar untuk diterjemahkan bergantung kepada cara menikmati dan menghayatinya. Untuk mendapatkan rupa bentuk yang padu seperti bentuk yang asli, perlu difikirkan saiz dan perkadarannya serta kesempurnaannya apabila dipegang. Secara zahirnya kesan visualisasi yang kompleks dari bentuk ke bentuk yang berada di sekeliling arca itu memerlukan setiap sudut itu boleh dilihat. Cara ini membuahkan kesan apresiasi yang bukan mata sahaja menjadi penat, tetapi minda turut letih berfikir tentang titik pusat graviti, berat isipadu, kesedaran tentang satahnya dan ruang yang diisi oleh rupa bentuk dan udara.

Pemerhati yang peka perlu juga belajar merasai satah-satah yang mudah di dalam rupa bentuk dan memikirkan aspek luaran dan dalaman isipadunya. Contoh sebiji telur, secara ideanya adalah signifikan kepada permakanan dan telur simbol kepada melahirkan zuriat. Begitu juga kepaduan kulit siput, cendawan, gunung, tulang dan sebagainya yang apabila dihayati dan diperhalusi dengan mendalam suatu pengalaman berguna tentang bentuk dan kombinasi beberapa bentuk, dapat membuka langkah yang lebih jauh dan lebih sukar dalam membuat apresiasi.

Manakala bagi Brancussi, sebahagian daripada nilai tanggapannya telah menjadi pegangan penting dalam sejarah perkembangan arca kontemporari. Beliau mempunyai misi yang istimewa melalui penumpuan awal pada rupa bentuk yang sederhana untuk menglahirkan sebuah arca. Dari bentuk selinder, beliau meneliti bentuk yang satu itu untuk menjadi sebuah arca yang bernilai. Cara beliau melihat satu unit bentuk yang kaku dan diubah menjadi hasil yang tersendiri dan unik. Satu unit bentuk yang statik perlu dipecah-pecahkan dan mengalami kombinasi bersama beberapa bentuk-bentuk lain dalam pelbagai saiz, arah dan bahagian dalam keseluruhan bentuk.

Contoh figura manusia dianggap objek yang menjadi tarikan. Boleh diamati lebih mendalam tentang setiap bentuk yang wujud secara semulajadi. Antaranya tulang belulang, otot-otot, perkadaran yang unik dan sebagainya. Apabila dihayati dan diperhalusi maka pengalaman yang sangat berguna tentang perihal bentuk dapat membuka minda untuk terus menjelajah, meneroka setiap rupa bentuk yang baru dari cipta Ilahi.

Manakala Henry Moore menganggap lubang dalam sesuatu arca sebagai sebahagian daripada olahan seni. Bagi Henry Moore apabila beliau memungut batu-batu berlubang di pantai inilah permulaan pengalamannya yang membuatkan beliau menghormati batu-batu itu. Ia ditipu oleh batu dan menyedari bahawa setiap permukaan dan lubang pada batu ada mempunyai rahsianya dan ada tenaga kuasanya yang tersendiri.

Sebenarnya Brancusi dan Moore, dua arcawan yang berada dalam zaman moden pada umumnya dianggap sebagai pencipta asas arca berkriteria organik. Walaupun kedua-duanya berbeza, tetapi mempunyai pendekatan yang serupa dalam meletakkan tujuan dan asas estetika dalam seni arca.

Dalam menikmati dan menghayati seni arca, semangat yang ditunjukkan oleh seniman adalah semangat daya cipta yang kuat dan dapat meluaskannya dalam kehidupan bangsa. Hasilan seni arca memberi manfaat tersendiri selain untuk tatapan umum, ianya merakam dan menyimpan kembali hasilan seni untuk khazanah generasi akan datang. Melaluinya dapat dikenali tamadun bangsa, penggunaan bahan-bahannya yang merefleksikan kesan sejarah.

Kombinasi seni dan sejarah membantu memperkukuhkan jati diri menjadi bangsa yang berjiwa halus dan menyayangi hasil seni. Sumbangan mengangkat seni arca oleh mana-mana negara bangsa adalah sumbangan positif terhadap daya kreatif seni dalam penampilannya. Dua unsur antara seni dan sejarah saling berkaitan dan melengkapi bagi penyempurnaan pembinaan peribadi sebagai satu bangsa. Bermula dengan generasi kini yang berusaha menggarap dan mengabadikan seni arca di persekitaran jabatan kerajaan, institusi kewangan, bangunan-bangunan sektor swasta dan korporat dapat membantu generasi akan datang menghayati dan mencintai seni arca. Mencintai khazanah seni sebagai bahan artifak sejarah, budaya dan kesenian bangsa adalah penghormatan yang termulia. Justeru itu penyediaan ruang dan penghormatan kepada arcawan mengabadikan hasil seni arca di persekitaran masyarakat dapat membantu mengangkat martabat seni. Biarpun arca yang simbolis, kelihatan simple tetapi cukup memberi erti kepada kesedaran seni.

Seni Impressionism dan Post-Impressionism

Impressionism

Impresionisme adalah suatu gerakan seni dari abad 19 yang dimulai dari Paris pada tahun 1860an. Nama ini awalnya dikutip dari lukisan Claude Monet, "Impression, Sunrise" ("Impression, soleil levant"). Kritikus Louis Leroy menggunakan kata ini sebagai sindiran dalam artikelnya di Le Charivari.

Karakteristik utama lukisan impresionisme adalah kuatnya goresan berus, warna-warna cerah (bahkan banyak sekali pelukis impresionis yang mengharamkan warna hitam kerana dianggap bukan bagian dari cahaya), komposisi terbuka, penekanan pada kualiti pengcahayaan, subjek-subjek lukisan yang tidak terlalu menonjol, dan sudut pandang yang tidak biasa.

Seniman impresionisme pada awalnya terinspirasi oleh teori-teori Eugene Delacroix yang mulai merasakan ketidakpuasan terhadap perkembangan seni akademik pada masa itu yang terlalu berkonsentrasi kepada mahzab seni lukis klasik. Ia berpendapat bahawa lukisan tidak selamanya dibentuk dengan pengolahan garis secara berlebihan seperti dikembangkan oleh Inggeris selama bertahun-tahun. Sebaliknya pengolahan pengetahuan warna-warna dengan penuh teliti akan menghasilkan bentuk lukisan yang lebih menarik.

Namun Delacroix sendiri boleh dianggap gagal melepaskan diri dari pengaruh pakembangan seni lukis akedemik kerena bagaimanapun lukisannya sendiri masih berkonsentrasikan pada bentuk-bentuk secara ideal.

Kemudian beberapa pelukis secara radikal melanggar peraturan-peraturan akademik dalam pembuatan lukisan. Lukisan ini tidak lagi berkonsentrasi pada bentuk secara mendetail dengan mementingkan kontour, volume, dan garis. Juga meninggalkan pengamatan struktural bentuk suatu objek. Sebaliknya, suasana didapatkan dengan menangkap kesan (impresi) cahaya yang ditangkap sekilas oleh mata. Akibatnya bentuk objek menjadi lebih sederhana, tidak seperti lukisan naturalisme atau realisme.

Pada awalnya tidak hanya lukisan still life dan potret saja yang dibuat di dalam ruangan, tetapi juga pemandangan. Hal inilah yang kemudiannya mendorong seniman impressionism untuk menemukan bahawa ada kesan yang berbeza didapatkan jika lukisan dibuat di secara terbuka dengan suasana visual langsung bagi mengamati objek yang dibuat. Mereka menggunakan goresan warna-warna pendek, pecah, dan sekaligus murni (dengan erti tidak disengajakan untuk dicampur di atas palet) untuk memberikan nyawa kepada lukisan. Penekanan lukisan kemudian bergeser kepada kesan keseluruhan daripada detail-detail objek tertentu.

Perkembangan selanjutnya dari impresionisme adalah penemuan bahawa yang lebih penting daripada teknik impresionisme sendiri adalah perbezaan dalam sudut pandang. Impresionisme sebenarnya adalah seni pergerakan, pose, dan komposisi dari permainan kesan cahaya yang dituangkan dalam warna-warna cerah dan bervariasi.

Pada akhir abad 19, masyarakat mulai mempercayai bahwa impresionisme adalah cara pandang yang jernih dan jujur terhadap kehidupan, meskipun secara artisitik bukanlah pendekatan yang benar dalam pembuatan karya.Puncak gerakan seni impresionisme di Perancis terjadi hampir bersamaan dengan di negara lain, antara lain di Itali dengan pelukis Macchiaioli, dan Amerika Syarikat dengan pelukis Winslow Homer.
Impresionisme menjadi pelopor berkembangnya aliran-aliran seni modern lain seperti Post-Impresionisme, Fauvisme, and Kubisme.


Post-Impressionism

1885-1905 Post impressionism yg bergerak dari perancis.Tempoh post impressionism telah dicipta oleh pengkritik seni inggeris iaitu Roger Fry.Paul Cezanne,Georges seurat,Paul Gauguin adalah antara pelukis yang b’asal dari perancis kecuali Van Gogh dan kbykn mereka adlh bermula sbgai impressionist.stiap org drpd mereka menegaskan kesan figutif warna dan cahaya.

Teknik

Aliran ini adalah lanjutan daripada aliran impressionisme yg memilih perkara di persekitaran mereka sebagai hal benda.Bagaimanapun,ia mengadunkan eleman saintifik dan kajian analitikal thdp wrna dan cahaya.Ia lebih kpd warna-warna
simbolik,terangdan tidak begitu neutral.warna diaplikasikan secara pertindihan,kombinasi beberapa warna.teknik ini dgunakan untk mghasilkan warna ilusi kepada audian yg lihat.

Sebagai contoh: Teknik yang digunakan oleh Georges Seurat dalam “A Sunday Afternoon On The Island Of A La Grande Jatte”.Kalau Impressionisme pelukisnya menggunakan teknik yang serupa kapada tema ringan serta komited dengan tema sosial.Hal ini telah mempengaruhi aliran Kubisme dan Ekspresionisme.Ia juga dibawa dari Perancis pada tahun 1884.Pelukis menggunakan semua warna termasuk warna hitam.Hal benda yang telah di ubah akan di abadikan.

Gaya Seni

Tempoh post impressionism di cipta oleh pengkritik seni inggeris iaitu Roger Fry.
Paul cezanne, georges seurat,paul gauguin adalah orang perancis kecuali Van Gogh.Antara pelukis lain ialah Henry de toulouse-lautrec,paul gauguin,
camille pissarro,Henry rousseau.

Kebanyakkan daripada mereka bermula sebagai impressionists.Dimana segala hasil karya telah menerima kritikan yang hebat kerana menggunakan teknik dimana mereka merakamkan imej dengan mementingkan rakaman cahaya dan campuran warna yang menggambarkan kesan cahaya yang jatuh pada sesuatu imej yang dilukis..

Kemudian semasa aliran post impressionism, Gauguin bersama pelukis muda yang bernama Emile Bernard telah bersama-sama mencari kebenaran yang lebih mudah dan keindahan yang lebih tulen dalam seni.Berubah jauh dari dunia seni yang canggih di paris,dia sebaliknya mencari inspirasi dgn kaum2 luar bandar dgn nilai2 tradisional.Dia bersama Emile mengkaji warna buram,garis berat dan kualiti berhias kaca berwarna dan manuskrip kuno pencahayaan.

Mereka menjelajah dan mengkaji dengan bersungguh-sungguh dengan penuh perasaan tentang warna tulen dan garis.Gauguin menggunakan warna eksotik dan rasa keharmonian untuk mencipta puitis tahitians.Dari brushstrokes dia telah menggunakan baris-baris yang berlengkok2 serta warna yang bertenaga ke dalam catannya(berbanding pada masa impressionisme).Gauguin mewarna dengan penuh perasaan dan menggunakan warna yang bertenaga dan banyk menghasilkan catan nya dalam benuk lanskap semula jadi.

Antara Tokoh aliran seni ini:-

VINCENT VAN GOGH:
Name:Vincent willem van gogh
Born: 30 march 1853,Zundert,The Nethrelands
Died:29 july 1890. FRANCE
Nationality:Dutch
Field: Painter.
Movement: Port Impressionism
Works: The Potato Eatert, Sunflowers, The Starry Night, Irief, Potrait Of Dr Gachet

Van gogh telah menghabiskan masa remajanya dgn bekerja di sebuah Syarikat Seni Dealers.Selepas itu dia telah bekerja sebagai guru dalam masa yg singkat dan kemudianya telah menjadi seorang pekerja mubaligh dlm 1 daerah perlombongsn yang miskin.Dia tidak memulakan kerjayanya sebagai seorang artis sehingga lah pada tahun 1880 dia telah mula mengkaji warna-warna suram sehingga memasuki aliran impressionism dan neo impressionism di Paris.Van gogh telah mengeluarkan lebih 2000 hasil karyanya termasuk 900 hasil warna dan 1100 hasil lukisan dan lakaran.dia akhirnya telah memotong sebahagian telinganya kerana gagal dalam prsahabatannya dgn paul gauguin.