Visual Art

The visual arts are art forms that create works which are primarily visual in nature, such as ceramics, drawing, painting, sculpture, architecture, printmaking, modern visual arts (photography, video, and filmmaking), design and crafts. These definitions should not be taken too strictly as many artistic disciplines (performing arts, conceptual art, textile arts) involve aspects of the visual arts as well as arts of other types. Also included within the visual arts are the applied arts such as industrial design, graphic design, fashion design, interior design and decorative art.

About Me

My photo
Creative Designer,Primeworks Studio, Media Prima Berhad / B.A Hons Fineart University Technology MARA,Malaysia

Tuesday, October 26, 2010


The artists Binoculars borrow its title from the optical instrument and symbolizes, the artist act looking into the distant future with his eighteen ceramic work, which in turn consist of three discernable series: Reborn,Mind Machine and Xerox.Across the three, forms take on space-age guises as body parts mingle with machine components and human flesh fraternizes with nuts and bolts.And altogether, the humble, ultilitarian medium of ceramic is given a futuristic facelift to represent Khuzairie's observations of socio-cultural changes caused by our ever-increasing dependence on science and technology.

Wednesday, September 22, 2010


Realist Paintings by David Kassan As an expression of his own calculated observation and visual consumption of surrounding environment, introspective glimpses of reality imbue the art of David Jon Kassan. By immersing himself into his subject matter, Kassan is able to infuse his painting with life and realism. Kassan’s direction of realism follows the philosophies emplyed by the Ashcan School of American Realists.

Artist Statement

My work is a way of meditation, a way of slowing down time though the careful observation of overlooked slices of my environment. It is the subtlety of emotion in my acquaintances that inhabit the aforementioned environment which intrigues me. My paintings strive for reality, a chance to mimic life in both scale and complexity. The viewer is given an eye level perspective of the subject. A view that is unbiased and in its most raw condition. It is my intent to control the medium of oil paint so that it is not part of the viewer to subject equation. The image stands alone without evidence of the artist. I displace textures from their natural environment by moving them out of the context they exist in. Taking the abstract form from the streets where they get lost and moving them into the gallery space where they can be contemplated as accidental abstractions.
The technical aspect of my work is a means to an end; an end rooted in the viewer's experience. I am interested the concept of a painting's technical and transformative powers. By turning an ordinary painting surface into a textured trompe l'oeil documentation of the city or turning the surface into a life sized representation of a figure in space that transmits feeling this technical process allows for the viewer's experience to be altered.
The thoughts behind my chosen subject matter, the scale at which it is presented, my search for understanding what I observe, and my effort to constantly learn to document reality with a naturalistic, representational painting technique allows for pieces to be inherent contradictions; paintings that are both real and abstract. My influences are understandably just as contradictory as they have fed and connected my perspective on painting. I am constantly seeking out work that is congruent with my own which has led me to explore the work of life size old master paintings, urban stencil and graffiti street art, Marcel Duchamp's found objects, abstract paintings by Robert Rauschenberg, and finally the sheer conceptual and executed realism of Caravaggio.
Time is the most valuable thing that we all have, the one aspect of daily life that we can not get back once its gone. I want to use time while trying to understand the world around me. Painting is my notebook, my sounding board.

Sculpture Artists

Pencil Carving Art By Dalton Getty

What do you see in this picture? Pencils? Look again. They’re sculptures. Dalton Getty has been patiently carving sculptures from pencils for 25 years. He creates amazing miniature pieces of art, including linked hearts, keys, and an alphabet project completed over a steady 2.5 year period. Incredible.Dalton Getty is a 45-year-old resident of Bridgeport who turns ordinary pencils into miniature sculptures, without using a magnifying glass
He works very slowly and does not use any special tools: for he needed only a blade, a sewing needle and a very bright light. To protect their vision, the author works for one and half hours a day. One tiny sculpture may take several months, and one creation may take Dalton 2 and a 1/2 years.Dalton believes that his sculptures are forcing people to stay for at least a few moments to escape from the mad rhythm of modern life and see the beauty in miniature detail.

Performance and Installation art

MEET : Rebecca Belmore

Born in Upsala, Ontario, Rebecca Belmore is an artist currently living in Vancouver, British Columbia. She attended the Ontario College of Art and Design in Toronto and is internationally recognized for her performance and installation art. Since 1987, her multi-disciplinary work has addressed history, place and identity through the media of sculpture, installation, video and performance. Belmore was Canada’s official representative at the 2005 Venice Biennale.Her work has appeared in numerous exhibitions both nationally and internationally including two solo touring exhibitions, The Named and the Unnamed, Morris and Helen Belkin Art Gallery, Vancouver (2002); and 33 Pieces, Blackwood Gallery, University of Toronto at Mississauga (2001). Her group exhibitions include Houseguests, Art Gallery of Ontario (2001); Longing and Belonging: From the Faraway Nearby, SITE Santa Fe, Santa Fe, New Mexico (1995); Land, Spirit, Power, National Gallery of Canada (1992); and Creation or Death: We Will Win, at the Havana Biennial, Havana Cuba (1991).

NEW ART:Photo realistic artwork

Paul Roberts

Paul Roberts was brought up by artist parents in Wales. Gaining early recognition in the 1970s, his career as a painter was interrupted when he had worldwide success with the rock band, Sniff ’n’ The Tears, in 1978 (whose cover artworks were all his creation). In 1988, he moved with his family to Somerset, where he has continued to paint and make music. His work can currently be seen at the Plus One Gallery London.
Paul Roberts (born in Tiverton, Devon, 1948) is the former lead singer and songwriter of Sniff 'n' the Tears. He is also known for his work as a photorealistic painter. He recorded a number of albums under his own name, with music very similar to that of Sniff 'n' Tears. The key albums were City Without Walls (1985) and Kettle Drum Blues (1987). The album Slowdown (1992) is a mainly a compilation of the two albums stated before.

Roberts was brought up in Wales by his parents, both themselves artists. Having studied at Newport College of Art, Cardiff College of Art and Goldsmiths College of Art, he gained early recognition as a painter in the 1970s before his career was interrupted by worldwide success with the rock band Sniff 'n' the Tears in 1978. Around 1980 he was exhibited by Nicholas Treadwell, who then wrote:

"Paul's work explores and parodies the glamorous way of life with seductive and dramatic effect, accentuated by an excellent sense of colour and powerful abstract values. The influence of cinema can clearly be seen in his paintings and his appreciation of Visconti and Hitchcock is often apparent".In 1988 he moved with his family to Somerset. Until 2000, his music commitments limited the time he had available to develop as a painter.

Tuesday, September 21, 2010

Art Issue

Criticisms of modernism

The most controversial aspect of the modern movement was, and remains, its rejection of tradition. Modernism's stress on freedom of expression, experimentation, radicalism, and primitivism disregards conventional expectations. In many art forms this often meant startling and alienating audiences with bizarre and unpredictable effects, as in the strange and disturbing combinations of motifs in surrealism or the use of extreme dissonance and atonality in modernist music. In literature this often involved the rejection of intelligible plots or characterization in novels, or the creation of poetry that defied clear interpretation.

After the rise of Stalin, the Soviet Communist government rejected modernism on the grounds of alleged elitism, although it had previously endorsed futurism and constructivism. The Nazi government of Germany deemed modernism narcissistic and nonsensical, as well as "Jewish" and "Negro" (see Anti-semitism). The Nazis exhibited modernist paintings alongside works by the mentally ill in an exhibition entitled Degenerate Art. Accusations of "formalism" could lead to the end of a career, or worse. For this reason many modernists of the post-war generation felt that they were the most important bulwark against totalitarianism, the "canary in the coal mine", whose repression by a government or other group with supposed authority represented a warning that individual liberties were being threatened. Louis A. Sass compared madness, specifically schizophrenia, and modernism in a less fascist manner by noting their shared disjunctive narratives, surreal images, and incoherence.

In fact, modernism flourished mainly in consumer/capitalist societies, despite the fact that its proponents often rejected consumerism itself. However, high modernism began to merge with consumer culture after World War II, especially during the 1960s. In Britain, a youth sub-culture emerged calling itself "modernist" (usually shortened to Mod), following such representative music groups as The Who and The Kinks. The likes of Bob Dylan, Serge Gainsbourg and The Rolling Stones combined popular musical traditions with modernist verse, adopting literary devices derived from James Joyce, Samuel Beckett, James Thurber, T. S. Eliot, Guillaume Apollinaire, Allen Ginsberg, and others. The Beatles developed along similar lines, creating various modernist musical effects on several albums, while musicians such as Frank Zappa, Syd Barrett and Captain Beefheart proved even more experimental. Modernist devices also started to appear in popular cinema, and later on in music videos. Modernist design also began to enter the mainstream of popular culture, as simplified and stylized forms became popular, often associated with dreams of a space age high-tech future.

This merging of consumer and high versions of modernist culture led to a radical transformation of the meaning of "modernism". First, it implied that a movement based on the rejection of tradition had become a tradition of its own. Second, it demonstrated that the distinction between elite modernist and mass consumerist culture had lost its precision. Some writers[who?] declared that modernism had become so institutionalized that it was now "post avant-garde", indicating that it had lost its power as a revolutionary movement. Many have interpreted this transformation as the beginning of the phase that became known as postmodernism. For others, such as art critic Robert Hughes, postmodernism represents an extension of modernism.

"Anti-modern" or "counter-modern" movements seek to emphasize holism, connection and spirituality as remedies or antidotes to modernism. Such movements see modernism as reductionist, and therefore subject to an inability to see systemic and emergent effects. Many modernists came to this viewpoint, for example Paul Hindemith in his late turn towards mysticism. Writers such as Paul H. Ray and Sherry Ruth Anderson, in The Cultural Creatives: How 50 Million People Are Changing the World (2000), Fredrick Turner in A Culture of Hope and Lester Brown in Plan B, have articulated a critique of the basic idea of modernism itself — that individual creative expression should conform to the realities of technology. Instead, they argue, individual creativity should make everyday life more emotionally acceptable.

In some fields the effects of modernism have remained stronger and more persistent than in others. Visual art has made the most complete break with its past. Most major capital cities have museums devoted to 'Modern Art' as distinct from post-Renaissance art (circa 1400 to circa 1900). Examples include the Museum of Modern Art in New York, the Tate Modern in London, and the Centre Pompidou in Paris. These galleries make no distinction between modernist and postmodernist phases, seeing both as developments within 'Modern Art'.

Sculpture Artists

Martin Puryear

Martin Puryear was born in Washington, D.C., in 1941. In his youth, he studied crafts and learned how to build guitars, furniture, and canoes through practical training and instruction. After earning his BA from Catholic University in Washington D.C., Puryear joined the Peace Corps in Sierra Leone, and later attended the Swedish Royal Academy of Art. He received an MFA in sculpture from Yale University in 1971. Puryear’s objects and public installations—in wood, stone, tar, wire, and various metals—are a marriage of Minimalist logic with traditional ways of making.

Puryear’s evocative, dreamlike explorations in abstract forms retain vestigial elements of utility from everyday objects found in the world. In “Ladder for Booker T. Washington,” Puryear built a spindly, meandering ladder out of jointed ash wood. More than thirty-five feet tall, the ladder narrows toward the top, creating a distorted sense of perspective that evokes an unattainable or illusionary goal. In the massive stone piece, “Untitled,” Puryear enlisted a local stonemason to help him construct a building-like structure on a ranch in Northern California. On one side of the work is an eighteen-foot-high wall—on the other side, an inexplicable stone bulge.

A favorite form that occurs in Puryear’s work, the thick-looking stone bulge is surprisingly hollow, coloring the otherwise sturdy shape with qualities of uncertainty, emptiness, and loss. Martin Puryear represented the United States at the São Paolo Bienal in 1989, where his exhibition won the Grand Prize. Puryear is the recipient of numerous awards, including a John D. and Catherine T. MacArthur Foundation Award, a Louis Comfort Tiffany Grant, and the Skowhegan Medal for Sculpture. Puryear was elected to the American Academy and Institute of Arts and Letters in 1992 and received an honorary doctorate from Yale University in 1994. Martin Puryear lives and works in the Hudson Valley region of New York.

"Desire" 1981
Pine, red cedar, poplar, and Sitka spruce, 116 x 240 x 288 inches
Collection of Panza di Buono, Varese, Italy
Courtesy Courtesy McKee Gallery, New York

Pine, mesh and tar, 18 1/2 x 84 x 68 inches
Collection of the artist
Courtesy Courtesy McKee Gallery, New York

"The most precise work is generally done by hand, with hand tools. Some people rely on machines for their precision, and my way of working is backwards. I rely on the machines for doing the gross stock removal and then, when it comes to the final refinements and fitting of joints and things, making things work together, I rely more on sharp-edged tools that I push by hand."

Sunday, June 13, 2010


Penulisan Akhbar Seni Malaysia dari BALAI SENI LUKIS NEGARA MALAYSIA

Thursday, May 20, 2010

Seni Catan Moden Malaysia


Jika dihalusi, aliran dan falsafah seni yang diaplikasikan di dalam karya-karya catan tempatan telah diadaptasi daripada ideologi senimlukis Barat terutamanya dari benua Eropah.Fenomena ini berlaku disebabkan oleh aliran seni catan di Malaysia telah diperkenalkan oleh pihak Inggeris ketika era penjajahannya di Semenanjung Tanah Melayu.Menurut Mohd Khairi Baharom (2007) :

"Memang tidak dinafikan kebanyakkan karya yang dihasilkan berlandaskan ideologi Barat kerana kita masih berpegang teguh kepada prinsip dan peraturan asal yang diperkenalkan oleh Barat.Walaupun begitu, karya-karya yang dihasilkan telah diolah dan disesuaikan dengan budaya Malaysia.Cuma falsafahnya sahaja yang masih dikekalkan.Oleh itu, identiti Malaysia menjadi keutamaan.Sebagainya contoh karya Syed Ahmad Jamal berjudul Angin Dingin.Walaupun karya ini dihasilkan menerusi pendekatan Barat, namun subjek utamanya bercirikan budaya Malaysia.Disamping itu terdapat segelintir pelukis yang mengenepikan prinsip Barat contohnya Chuah Thean Teng dan Khalil Ibrahim yang terkenal dengan catan batik.Ini menjelaskan bahawa identiti Malaysia merupakan dominan utama di dalam karya yang dihasilkan"

(Temu bual: Pensyarah Universiti Teknlogi MARA, UITM / 20hb Mac 2007 )

Seni catan moden malaysia perlu mempunyai identiti serta nilai-nilai keistimewaanya yang tersendiri tanpa dipengaruhi oleh ideologi Barat.Terutamanya dari segi falsafah, teori, aliran, nilai-nilai estetika, teknik pengkaryaan dan persembahan karya serta pendekatan seni dan sebagainya.Aspek ini amat penting kerana ia mencerminkan keunikkan identiti seni rupa malaysia.

Namun pada hari ini, minda masyarakat malaysia dipengaruhi dan terdedah secara total kepada budaya barat, yang kadangkala disalahtafsirkan sebagai proses pemodenan.Justeru, ancaman terhadap identiti seni catan moden malaysia kian meruncing apabila dasar langit terbuka menguasai minda.Oleh itu, sebagai sebuah negara yang telah mencapai taraf kemerdekaan, kesedaran untuk memelihara dan mengelakan identiti seni catan tempatan wajar dibentuk dan dipupuk menerusi proses pendidikan yang sempurna.

Saturday, March 6, 2010



Transkripsi Tema.

Citra Terengganu – merujuk kepada gambaran dan imej khusus tentang perilaku, aktiviti manusia , kehidupan lain yang menjadi lambang, simbol atau ikon yang merujuk kepada kehidupan berbudaya masyarakat Terengganu dan persekitarannya merangkumi aspek pemikiran seperti pengetahuan, kepercayaan, kesenian, undang-undang, moral serta apa jua yang diwarisi dari dulu hingga kini menerusi sejarah dan budaya yang diterima pakai , diakui telah menjadi budaya dan imej Negeri Terengganu.


a. Kehidupan nelayan dan aktivitinya
b. Penyu dan hidupan laut
c. Perahu dan bot nelayan
d. Kesenian seperti ukiran, ulik mayang dan rodat

Terengganu Dalam Kenangan merujuk kepada peristiwa, aktiviti, gerak, perilaku manusia, landskap, monumen dan persekitaran yang merangkumi perkisahan lisan, mitos, lagenda melalui bukti, fakta atau imaginasi yang berlaku pada masa lalu yang diterimapakai serta diakui menerusi rakaman sejarah dan budaya di Negeri Terengganu.

Contoh-contoh peristiwa dan monumen

a. Lawatan Munshi Abdullah di Kuala Terengganu - pertengahan abad ke 19
b. Peristiwa Sam Po Kong di Jeram – abad ke 16
c. Perang Besut – 1870 an
d. Bah Merah - 1926/27
e. Orang Hanyut Vietnam Pulau Bidong - 1975
f. Pelabuhan Kuala Terengganu – abad ke 16
g. Pelabuhan Foloan – abad ke 12
h. Kota Lama, Kuala Terengganu – 1730an
i. Kota Batang Mahang, Tg Baru, Kuala Berang - 1708


2nd Penang International Print Exhibition 2010

Call for submissions
2nd Penang International Print Exhibition 2010
Penang State Museum and Art Gallery together with The School of the Arts, Universiti Sains Malaysia (USM) will hold the Second International Penang Printmaking Exhibition at The Penang State Art Gallery as well as at The Tuanku Fauziah Museum and Gallery, Universiti Sains Malaysia, Penang, Malaysia, from 16 September to 15 October 2010.

Participation to the exhibition is open to all printmaking artists from around the world. Each artist may submit a maximum of four prints. Participation is free of charge, each artist must donate at least one print to our permanent collection.

All form and variations of two-dimensional printmaking techniques are acceptable.

The size of the paper may not be smaller than 20 x 30 cm and not larger than 60 x 80 cm.

Submission Deadline:
30 June 2010

More information and contact:
2nd Penang International
Printmaking Exhibition 2010
c/o Rahman Mohamed
School of the Arts
Universiti Sains Malaysia
11800 Penang

Tuesday, March 2, 2010

Melihat Seni Cetakan

Cetakan Tamadun Melayu

GALERI Petronas pada tahun lepas melancarkan pameran pertamanya untuk tahun 2009 yang bertajuk: Go Block: Five Contemporary Malaysian Printmakers.Pameran tersebut merupakan satu pertunjukan yang meraikan amalan-amalan baru dalam seni cetak di Malaysia melalui hasil karya baru oleh lima orang seniman iaitu Juhari Said, Kim Ng, Izan Tahir, Zulkifli Yusoff dan Shahrul Jamili.Kesemua mereka banyak memberi sumbangan besar kepada perkembangan seni cetak kontemporari dalam gerakan seni tanah air.Seniman Malaysia dan ahli akademik yang disegani, Prof. Dr. Sulaiman Esa telah menyempurnakan majlis pelancaran pameran tersebut, termasuk buku iringan pameran yang mempunyai judul yang sama pada 17 Februari lalu.

Go Block dikurator oleh Badrolhisham Mohamad Tahir dengan mengetengahkan 15 hasil karya terbaru artis tempatan yang bertujuan mengajak orang ramai meneroka seni cetak sebagai satu bahan tara berciri dinamik dan inovatif yang memberikan kesan besar terhadap pergerakan kesenian di Malaysia hari ini.Konsep asas pameran itu adalah bagi menyedarkan orang ramai bahawa wujudnya satu bentuk alternatif pada proses seni cetak biasa yang selalunya terhad pada penggunaan dakwat, blok cetak, kertas dan tindakan menghentak atas permukaan kertas.Melalui pameran itu, ia menggalakkan penggunaan bahan tara selain dakwat yang boleh diacu dan dibentuk kemudian dipadukan bersama bagi menghasilkan satu hasil karya seni baru yang unik.

Idea asas sebenar pameran itu ialah untuk memberikan definisi baru tentang seni cetak. Pameran tersebut turut menerokai penggunaan pelbagai bahan harian seperti konkrit, kayu, tanah dan lapisan logam sebagai bahan tara, selain menggunakan dakwat yang diacu ke dalam bentuk-bentuk tertentu secara berulang-ulang bagi mendapatkan hasil seni muktamad yang diinginkan.Ketika secara tradisinya seni cetak berada pada tahap sekunder dalam konteks gerakan seni kontemporari di Malaysia, teknik-teknik serta cara penataan dalam seni cetak selalunya digunapakai dalam penghasilan rupa bentuk seni lain, misalnya lukisan, arca dan instalasi.

Peminjaman atau pertukaran teknik dan penataan itu menjadi bukti tentang pengaruh berterusan yang dimiliki oleh seni cetak dalam amalan seni kontemporari kini. Dalam pada itu, batasan atau sempadan peraturan-peraturan atau cabang-cabang seni yang dahulunya lebih jelas dan tersendiri kini menjadi semakin kabur.Walaupun seni cetak dianggap mudah untuk orang ramai menghasilkannya serta tidak mahal kerana alatan dan bahan yang digunakan dikeluarkan secara besar-besaran, namun masih terdapat segelintir seniman Malaysia yang mampu mengguna pakai bentuk seni itu secara berkesan dan menjadikannya sebagai satu keistimewaan.Golongan seniman yang menyertai pameran Go Block itu merupakan antara yang berpengaruh dan berdedikasi dalam amalan seni kontemporari iaitu mereka bertanggungjawab untuk memecah batasan bagi menjadikan seni cetak lebih relevan pada masa kini.Menurut Pengarah Galeri Petronas, Tengku Nasariah Tengku Syed Ibrahim, Go Block merupakan satu pameran yang membuka jalan baru dalam memperkembang seni cetak kepada satu tahap terkini.

"Ia merupakan satu amalan seni yang berkesan kerana mudah bagi orang ramai mengaitkannya dengan pengalaman mereka. Bagaimanapun, kami ingin mencabar pemikiran orang ramai terhadap kefahaman mereka tentang seni cetak, bukan sahaja cetakan blok atas selembar kertas, maksudnya kini lebih luas dan hanya terhad kepada daya imaginasi," katanya.

SECARA tradisinya seni cetak berada pada tahap sekunder dalam konteks gerakan seni kontemporari di Malaysia.Di Malaysia cetakan dihasilkan dengan menggunakan pelbagi teknik dan media. Antara media yang biasa digunakan ialah lino, syelek, lekar dan media campuran. Manakala teknik yang biasa dihunakan hádala seperti teknik timbulan, kolagraf dan cetakan saring. Proses menghasilkaan cetakan timbul ialah dengan
Meletakkan dakwat atau warna pada permukaan yang biasanya terdiri daripada blok
kayu atau lino. Hasil permukaan acuan merupakan imej yang dikehendaki.Langkah menghasilkan cetakan stensil

– Sediakan sebuahpemidang skrin. Lukis dan gunting imej atas kertas pendua.
Semasa mencetak,letakkan iime yang telah dipotong di atas
kertas permukaan dasar yang hendak dicetak.
Pemidang skrin diletakkan di atasnya sebelum dituangkan dakwat atau warna.
Gunakan sekuji untuk meratakan warna diatas pemidang skrin.
Angkat perlahanlahan pemidang skrin.
Biasanya imej yang dipotong itu akan terlekat pada belakang pemidang skrin.
Cetakan ini tidak boleh menghasilkan edisi yang banyak kerana
kertas pendua yang dipotong itu akan lembap dan
menyebabkan dakwat atau warna terkeluar.

Cetakan Tamadun Islam

Cetakan Tamadun Islam lebih berunsurkan Islamik seperti ayat suci al Quran dan unsur geometri. Dalam tamadun islam, kebanyakan hasil seni amat menjauhkan lambang/simbol perantaraan antara manusia dan Tuhan. Hampir semua karya menggunakan unsur dalam motif hiasan. Kegiatan cetakan ketika itu, kebanyakannya berasaskan kayu dan setengahnya dicetak dengan pencetak seperti penghasilan ayat suci al-Quran. Reka corak cetakan adalah kaligrafi (menekankan keseimbangan pola positif dengan negatif) dan berunsurkan kehidupan Islam. Kebanyakan corak adalah menegak ke atas dan bermula dari bawah kerana menggambarkan Tuhan Yang Esa dan Satu. Cetakan dalam tamdun ini tidak menjadikan objek manusia sebagai subjek kerana insan Kamil tidak menampilkan dirinya kepada Tuhan secara tampak. Seni cetakan dihasilkan bertujuan sebagai panduan kepada seluruh umat Islam serta kebanggaan kerana keunikan dan kehalusan pembuatannya. Unsur seninya adalah kontemporari iaitu campuran pelbagai media dan agak moden. Namun begitu, setiap hasil karya yang dihasilkan mestilah berlandaskan kepada unsur tauhid dan akidah umat Islam. Garisan dalam kaligrafi menghasilkan ruang tertentu dalam setiap karya. Banyak karya cetakan menekankan penggunaan garisan dan fungsinya. Unsur geometri seperti segi empat tepat dan sama banyak digunakan beserta dengan ayat suci al-Quran. Ia menjadikan cetakan yang dihasilkan mempunyai kombinasi selain terdapat unsur pengulangan pada motif corak.

Cetakan Tamadun China

China telah menjadi tempat penghasilan cetakan terawal sekali iaitu bermula abad ke 7 Masihi. Cetakan menjadi satu lagi ciptaan budaya China yang penting yang bermula pada 500 S.M. dengan percetakan blok di atas kertas dengan menyapu dakwat ke atas blok yang diukir pada muka surat, meletakkan kertas di atasnya dan menyapu belakang kertas hingga rata. Teknologi percetakan dengan mesin taip dicipta oleh Bi Sheng pada abad ke 11 S.M.

Penciptaan seni cetakan

Tahun sebenar tentang bila seni cetakan di China mula wujud masih lagi diperdebatkan dalam lingkungan akedemik kerana tiada bahan artifak atau peninggalan dokumen yang dapat dikaitkan dengan cetakan terawal yang telah dijumpai. Namun begitu, berdasarkan pengamatan daripada aspek perkembangan sosial dan budaya dan fakta-fakta serta bukti dokumen yang relevan untuk dikaitkan, kita boleh melakarkan secara kasar bahawa cetakan blok kayu mula digunakan dalam Dinasti Sui (581---18) dan menjadi popular dalam Dinasty Tang. Kebanyakkan rekod dokumen tentang cetakan blok kayu dalam Dinasti Tang (618---07), amat sukar untuk dipersembahkan.

Cetakan pada pertengahan dan akhir pemerintahan Dinasti Tang

Pada akhir zaman pemerintahan Dinasti Tang, cetakan telah menjadi semakin popular sejak awal penciptaan. Jauh daripada ajaran Buddha yang telah menggunakan cetakan secara aktif, ajaran Taoisme juga telah menggunakan cetakan untuk menghasilkan buku.Pusat perkembangan cetakan juga semakin berkembang dari ibu negeri di Chang'an dan Luoyang ( ibu negeri wilayah timur) sehingga keke tempat seperti Sichuan, Huainan, dan Dunhuang. Tempat-tempat yang dijadikan untuk membuat cetakan juga semakin bertambah maju.

Cetakan dalam lima Dinasti dan Dinasti Song

The printing industry thrived during the Song Dynasty (960---279). Government departments from the central to the local levels engaged in printing activities. The private printing industry expanded, leading to the existence of printing houses throughout the country, and the cre-ation of a few areas of concentration.
All types of texts were printed including Confucian classics, history, philosophy and belles-lettres. The scale of Buddhist publications was considerably larger then ever before. Apart from the printing of books, new items appeared including the printing of paper money and trademark advertisements.
An important revolution in printing technology during the Song Dynasty was the invention of mov-able type printing. A commoner by the name of Bi Sheng used movable-type blocks for printing during the Qingli years (1041---048) of the Northern Song. This invention ushered in an era of movable-type printing and is a significant milestone in the history of printing.

Cetakan di Liao, Barat Xia dan Jin

Sezaman dengan Dinasti Song yang telah menjadi ikutan cara hidup etnik minority di Liao, Barat Xia dan jin, peringkat cetakan di kawasan ini juga pada tahap yang sama dengan kawasan di tengah dan Selatan China.
Dalam tahun 1991, Sembilan jilid ayat-ayat suci Buddha bertajuk Propitiousness telah tersebar ke merata tempat di Kouhebenxu. Tulisan tersebut telah ditulis dalam simbol dan tulisan daripada Barat Xia dan dibatasi mengikut format rama-rama, telah dijumpai di lingkungan pagoda di Baishigou yang terletak di negeri Helan, Ningxia, wilayah Auton-omous. Ahli arkeologi dan pakar telah menjelaskan bahawa jilid ini telah dicetak sekitar tahun di Barat Xia iaitu setengah abad dalam abad ke 21 dengan menggunakan kayu jenis mudah alih. Ayat-ayat suci ini telah diambil sebagai penemuan terawal tentang cetakan kayu mudah alih dan ia telah menduduki tempat terpenting dalam sejarah cetakan China.

Cetakan Tamadun Jepun

Cetakan blok kayu di Jepun di kenali sebagai Ukiyo-e. Pada asalnya ia dibawa masuk ke Jepun seiring kemasukan agama Buddha. Stail dan gaya cetakan blok kayu Jepun yang unik berkembang maju pertengahan abad ke 17 hingga pertengahan abad ke 19. Perkataan ‘Ukiyo’ berasal dari perkataan Buddha bermaksud dunia sedih. Aspek yang digambarkan dalam Ukiyo-e, adalah tentang dunia terapung merujuk kepada perasaan dan kebebasan yang tidak abadi atau tidak kekal. e’ pula bermaksud gambar atau lukisan. Pada zahirnya, Ukiyo-e menceritakan kekayaan sejarah zaman Edo di bawah pemerintahan Shogun yang terasing dari dunia luar. Kegiatan dilakukan berkisar persembahan teater, restoran, kedai minum, geisha dan rumah pelacuran kelas atasan. Tahun 1650, ilustrasi buku cetak dari blok kayu pertama dihasilkan oleh Ise Mongatari. Awalnya ilustrasinya agak kasar dan tidak penting berbanding teks yang dikeluarkan. Akhirnya gambar jadi penting yang dihasilkan sekumpulan artis seni. Tokoh artis seperti Utamaro dan Sharaku menghasilkan poster, iklan persembahan teater dan rumah pelacuran atau potret idola seperti aktor Kabuki (drama tradisi Jepun).

Secara amnya mereka menggambarkan kehidupan seharian waktu itu yang sesuai dijadikan cetakan poskad. Awal abad ke 18, perubahan pada kualiti kertas, rupa bentuk dan saiz cetakan bertambah dan pelbagai. Teknik cetakan lebih moden. ‘Urushi-e’ bahan pengilat, ditambah pada kawasan hitam tertentu menjadikannya berkilat melalui campuran gam dan dakwat. Dari awal cetakan warna dilakukan dengan tangan. Pertengahan abad ke 18, Okumara Masanobu(penerbit &pelukis) telah membuat eksperimen dengan menggunakan lebih daripada satu kayu blok untuk menghasilkan beni-e’ atau gambar merah. Tokoh artis Suzuki Harunobu antara yang cemerlang dan terkenal di Edo yang dapat mencetak dan menghasilkan beberapa siri cetakan blok kayu yang halus & serupa dengan figura lelaki dan perempuan dengan gaya sungguh menarik. Kecantikan ukiyo-e hanya dapat dikecapi oleh warga dunia selepas Laksamana Perry ke Jepun tahun 1854 selepas dasar ‘buka pintu’. Malangnya banyak hasil ukiyo-e rosak kerana gempa bumi, kebakaran dan terlalu usang.

Shunga merupakan karya seni bergaya ukiyo-e (seni lukis di atas woodblock yang penggarapannya melalui cetakan). Kadang-kadang shunga dicetak pula di atas gulungan kertas perkamen. Lukisan pada kerya shunga biasanya adegan percintaan. Seni Shunga bermula sejak era Muromachi (1336-1573) dan dipengaruhi pelukis erotik dari dinasti Tang di China, Chou Fang. Seni Shunga dibuat dan dijual dalam bentuk lembar atau dalam bentuk buku dinamakan “enpon”. Selain itu, karya ini juga dalam bentuk gulungan(hand scroll format) dinamakan “kakemono-e”. Karya shunga yang dibuat di Osaka & Kyoto warnanya lebih kaya dibandingkan dari Edo kerana digunakan “gofun” (bubuk kulit kerang putih yang dicampur dengan berbagai bahan hingga menjadi pigmen beraneka warna.

Ketika era pemerintahan Kaei (1848-1854), banyak kapal pedagang asing datang je Jepun. Seni cetakan Ukiyo-e ketika itu telah banyak mengalami perubahan dari segi budaya.
Diikuti oleh zaman keagungan Meiji sekitar tahun 1868, jepun mengamalkan dasar terbuka kepada bahan import dari luar termasuklah hasil photografi yang telah menggantikan seni Ukiyo-e secara keseluruhannya. Pengaruh barat ke atas Jepun telah berkembang dalam era Meiji. Ukiyo-e ketika itu jatuh dan menjadi amat tidak bernilai sehingga hasil cetakan ini hanya dijadikan sebagai kertas pembalut bahan dagangan. Ketika masyarakat barat melihat dan menjumpai kertas cetakan ini, ia telah menjadi sumber ilham penting kepada pengkarya-pengkarya daripada aliran impresionisme, kubisme, dan post-impresionis seperti Vincent Van Gogh, James Abbott, McNeill Whistler, Claude Monet dan lain-lain, pengaruh ini telah dikenali sebagai Japonisme di Barat.

Proses penghasilan Ukiyo-e

Secara tradisi proses penghasilan ukiyo-e melibatkan 3 bidang dan orang yang berbeza. Bidang tersebut ialah,
- Kerja melukis (pelukis/artis)
-Kerja mencetak, memilih warna, mengeluarkan modal (pengeluar/penerbit)
-Kerja mengukir blok kayu (pengukir)
Proses dimulakan dengan menggunakan blok dakwat hitam dan diikuti blok warna di akhir cetakan. Kemudian ‘hansita-e’ dilekatkan ke atas blok kayu yang kering. Kemudian diukir berhati-hati supaya garisan timbul. Cetakan terhasil dari permukaan timbul yang ditinggalkan, bila bahagian lain diukir keluar. Setiap warna memerlukan blok kayu yang berasingan. Garis panduan diukir secara berhati-hati atas kayu blok untuk memastikan warna dicetak mengikut garisan yang betul. 2 bentuk cetakan timbul yang paling biasa menggunakan kayu dan lino. Selain itu termasuklah getah atau styrofoam.

Cetakan Tamadun India

Cetakan di India dijadikan sebagai alat untuk membuat salinan. Latihan mencetak sebagai satu bentuk seni yang serius, mampu berdiri tanpa sebarang konsesi, tidak lebih 100 tahun sasarannya. Sempadan antara bahasa dan teknik cetakan adalah kabur, seni cetakan telah masuki laluan utama latihan visual. Latihan sokongan proses mencetak muncul ketibaan untuk menjadi luas dengan cara perbandingan oleh sebilangan kecil pelukis. Bentuk alam semulajadi/ tuntutan rejimnya, desakan dan dorongan menyebabkan kebanyakan pelukis lebih menonjol berbanding kurangnya jalan disekat dan seni perkataan mutunya rendah. Bagi memahami medianya, kita perlu mengetahui sejarah permulaan dan perkembangannya terlebih dahulu. Konsep salinan dan pengeluaran semula, yang merupakan asas cetakan, diketahui oleh India sebelum tertubuhnya mesin pencetak tahun 1956 di Goa. Tamadun Lembah Indus bukti rekod tentang alat pengesahan cop materai diguna secara besar-besaran. Anugerah tanah direkod oleh pengukir menggunakan tangan dan berimaginasi untuk tujuan agama dan duniawi . Kemahiran mengores atas permukaan tulang , kayu, kulit kerang, gading merupakan kraf popular. Rekod tamadun Lembah Indus dihasilkan dengan menekan blok ke atas tanah liat telah dijumpai. Untuk buat cetakan blok dan bahan warna seperti habuk pasir atau serbuk hitam atau sayuran merupakan selalu digunakan, bermula zaman Vedik. Cetakan Calica terhasil dengan ukiran blok kayu dan pengukir dengan warna dari sayuran dan ditekan pada kain dan urat. Awal kurun ke 16,orang Portugis membuka kilang di Calicus, Cochin dan Goa serta cetakan dikuasai oleh penguasha asing. Ahli Society of Jesus Portugis Missionaries di Goa merupakan orang pertama mencetak buku sebagai media berkesan untuk propaganda ideology Kristian. Pada 6 sept. 1556, 2 pencetak kayu tiba di Goa dan menetapkan di bawah penguasaan Joan de Busta Mante

Cetakan Tamadun Barat

Seni cetakan di barat mula berkembang selepas kemunculan seni cetakan di China. Pada abad ke 14 Masihi, industri cetakan mono telah berkembang di negara Barat.
Ketika itu, cetakan digunakan bagi tujuan propaganda, pendidikan dan bahan keagamaan. Penggunaan warna bermula pada abad ke 15. Bermula dengan cetakan pakaian seawal kurun 60 an. Kelewatan teknologi kertas di negara Timur menyebabkan cetakan kertas lebih lewat diperkenalkan. Tahun 1511, kertas mula diperkenalkan di Jativa, Sepanyol. Cetakan kayu yang pertama dicetak di atas kertas adalah di German seawal abad ke 15. Goresan dihidupkan oleh pelukis Belanda pada kurun ke 17 dan Rembrant telah membuat cetakan pertamanya pada 1626. Dia lebih cenderung menghasilkan cetakan sendiri berbanding kepada teknik cetakan professional. Beberapa dari cetakannya memaklumkan teknik cetaka mengalir tetapi melalui pengalaman dan uji kaji, dia mengasah dan membentuk kemahirannya, lalu menjadi mahir dan kreatif dalam seni cetakan.


Proses ini dikembangkan di Jerman sekitar tahun 1430 dari engraving (ukiran halus) yang digunakan oleh para tukang emas untuk mendekorasi karya mereka. penggunaan alat yang disebut dengan burin merupakan ketrampilan yang rumit.
Pembuat engraving menggunakan alat dari logam yang diperkeras yang disebut dengan burin untuk mengukir corak ke permukaan logam, tradisionalnya memakai plat tembaga. Alat ukir tersebut memiliki bermacam-macam bentuk dan ukuran menghasilkan jenis garis yang berbeza-beza.
Seluruh permukaan plat disapu dakwat, kemudian dakwat dibersihkan dari permukaan, yang tertinggal hanya dakwat yang berada di garis yang diukir. Kemudian plat ditaruh pada alat tekan bertekanan tinggi bersama dengan lembaran kertas (seringkali dibasahi untuk melunakkan). Kertas kemudian menyerap dakwat dari garis engraving (bahagian yang diukir), menghasilkan karya cetak.


Etsa adalah bahagian dari kelompok teknik intaglio bersama dengan engraving, drypoint, mezzotint dan aquatint. Proses ini diyakini bahawa penemunya adalah Daniel Hopfer (sekitar 1470-1536) dari Augsburg, Jerman, yang mendekorasi baju besinya dengan teknik ini. Etsa kemudian menjadi tandingan engraving sebagai medium seni grafis yang popular. Kelebihannya adalah, tidak seperti engraving yang memerlukan ketrampilan khusus dalam pertukangan logam, etsa relatif mudah dipelajari oleh seniman yang suka berkhayal dan menggambar.Hasil cetakan etsa umumnya bersifat linear dan seringkali memiliki perincian dan kontur halus. Garis bervariasi dari halus hingga ke garisan yang kasar. Teknik etsa berlawanan dengan teknik cukil kayu, pada etsa bahagian permukaan tinggi bebas daripada dakwat. Bahagian permukaan rendah menahan dakwat. Mulanya selembar plat logam (biaanya tembaga, zink atau baja) dilitupi dengan selapisan minyak atau lilin. Kemudian pengkarya akan menggores lapisan tersebut dengan jarum etsa yang runcing, sehingga bahagian logam kelihatan.plat tersebut kemudiaannya dicelupkan dalam larutan cuka atau hanya disapukan ke atasnya.bahagian logam yang tenggelam akan dihakis oleh larutan asid tersebut. Setelah itu, lapisan yang tersisa dibersihkan dari plat. Dan proses pencetakan selanjutnya sama dengan pencetekan selanjutnya sama dengan prosen pencetakan engraving.


Salah satu cara lain dalam teknik intaglio di mana plat logam terlebih dahulu dibuat kasar permukaannya secara merata; gambar dihasilkan dengan mengerok halus permukaan, menciptakan gambar yang dibuat dari gelap ke terang. Mungkin juga menciptakan gambar hanya dengan mengkasarkan bahagian tertentu saja, bekerja dari warna terang ke gelap.
Mezzotint dikenal kerana kualiti tonnya yang kaya: pertama, kerana permukaan yang dikasarkan secara merata menahan banyak dakwat, menghasilkan warna cetak yang padu; kedua, kerana proses penghalusan tekstur dengan menggunakan burin, atau alat lain menghasilkan gradasi halus untuk mengembangkan tone.
Metode mezzotint ditemukan oleh Ludwig von Siegen (1609-1680). Proses ini dipakai secara luas di Inggeris mulai pertengahan abad lapan belas, untuk mereproduksi foto dan lukisan.


Adalah variasi dari etsa. Seperti etsa, aquatint menggunakan asid untuk membuat gambar cetakan pada plat logam. Pada teknik etsa digunakan jarum untuk menciptakan garis yang akan menjadi warna dakwat gelap, aquatint menggunakan serbuk resin yang tahan asid untuk menciptakan kesan ton.Kebanyakan karya-karya grafis Goya menggunakan teknik aquatint.

Merupakan variasi dari engraving, dikerjakan dengan alat runcing, bukan dengan alat burin berbentuk "v". Sementara garis pada engraving sangat halus dan bertepi tajam, goresan drypoint meninggalkan kesan kasar pada tepi garis. Kesan ini memberi ciri kualitas garis yang lunak, dan kadang-kadang berkesan kabur, pada drypoint. Karena tekanan alat press dengan cepat merusak kesan tersebut, drypoint hanya berguna untuk jumlah edisi yang sangat kecil; sekitar sepuluh sampai duapuluh karya. Untuk mengatasi ini, penggunaan electro-plating (pelapisan secara elektrik dengan bahan logam lain) telah dilakukan sejak abad sembilanbelas untuk mengeraskan permukaan plat.
Teknik ini kelihatannya ditemukan oleh seorang seniman Jerman selatan abad limabelas yang memiliki julukan Housebook Master, di mana semua karya-karyanya menggunakan drypoint. Di antara seniman old master print yang menggunakan teknik ini: Albrecht Dürer memproduksi 3 karya drypoint sebelum akhirnya berhenti menggunakannya; Rembrandt sering menggunakannya, tapi biasanya digabungkan etsa dan engraving


Litografi adalah teknik yang ditemui pada tahun 1798 oleh Alois Senefelder dan didasari pada sifat kimiawi minyak dan air yang tidak boleh bercampur. Digunakan permukaan berpori, biasanya sejenis batu yang disebut limestone/batu kapur; gambar dibuat pada permukaan batu dengan medium berminyak. Kemudian dilakukan pengasidan , untuk memindahkan minyak ke batu, sehingga gambar 'terbakar' pada permukaan. Lalu dilapisi gum arab, bahan yang larut air, menutupi permukaan batu yang tidak tertutupi medium gambar (yang berbasis minyak). Kemudian batu dibasahkan, air akan berada pada bagian permukaan yang tidak tertutup medium gambar berasas minyak tadi; selanjutnya batu di-roll dengan dakwat berasas minyak ke seluruh permukaan; kerana air menolak sifat minyak pada dakwat maka dakwat hanya menampal pada bagian gambar yang berminyak. Kemudian selembar kertas lembab diletakkan pada permukaan, image/gambar dipindahkan ke kertas dengan menggunakan alat tekanan. Teknik litografi terkenal dengan kemampuannya menangkap gradasi halus dan detail yang sangat kecil.
Variasi dari teknik ini adalah adalah foto-litografi, di mana gambar ditangkap lewat proses fotografis pada plat logam; kemudian pencetakan dilakukan dengan cara yang sama.
Seniman yang menggunakan teknik ini:

George Bellows, Pierre Bonnard, Honoré Daumier, M.C. Escher, Ellsworth Kelly, Willem de Kooning, Joan Miró, Edvard Munch, Emil Nolde, Pablo Picasso, Odilon Redon, Henri de Toulouse-Lautrec and Stow Wengenroth.

Seni Cetakan-Print Making

Seni Cetakan

Cetakan merupakan kesan daripada gubahan yang dihasilkan oleh pelukis pada permukaan blok atau plat. Untuk menghasilkan cetakan, biasanya permukaan blok diukir atau diguris sehingga imej terbentuk pada blok atau plat tersebut sebelum dapat dipindahkan ke atas kertas, kain atau bahan lain. Blok yang sama dapat menghasilkan beberapa keping karya yang serupa. Cetakan yang berulang kali ini disebut edisi/ siri. Cetakan juga merupakan proses menghasilkan karya atau imej yang sama berulang kali. Dalam aktiviti ini, semua karya cetakan dalam sesuatu edisi dianggap karya asli.

Sejarah cetakan ialah apabila cetakan blok kayu buatan tangan muncul pada abad ke 7 Masihi di China. Seterusnya industri cetakan mono bok kayu buatan tangan muncul dan berkembang di negara barat menjelang abad ke 14 Masihi. Ketika itu, kemahiran mencetak digunakan untuk mencetak bahan keagamaan, hiasan ilustrasi buku, poster untuk komunikasi, propaganda, dan bahan pendidikan. Penggunaan warna dalam cetakan diperkenalkan pada pertengahan abad ke 15. Sejarah cetakan di Malaysia dibawa masuk dari Singapura pada tahun 1940 an melalui Nanyang Akademi. Rakyat Malaysia yang belajar di Institut Seni di Singapura telah mempelopori teknik seni cetakan dan memperluaskannya. Menjelang tahun 1960 an, teknik cetakan telah dimasukkan ke dalam sukatan pelajaran seni lukis secara rasmi di institusi perguruan seperti Institut Perguruan Ilmu Khas. Di Malaysia, cetakan kayu digunakan untuk mencetak kain sarung sebelum kaedah lilin dari Jawa diperkenalkan. Seni cetakan di Malaysia telah muncul sebagai satu cabang seni halus yang unik.


Pembuat cetakan berkarya menggunakan berbagai jenis media, termasuklah dakwat berasaskan air, cat air, dakwat berasaskan minyak, pastel minyak, dan pigmen padat yang larut dalam air seperti crayon Caran D'Ache. Karya seni cetak dilakarkan di atas permukaan yang disebut dengan plat. Teknik dengan menggunakan kaedah digital menjadi semakin popular saat ini. Permukaan atau hamparan yang digunakan dalam menciptakan karya cetakan meliputi papan kayu, plat logam, lembaran kaca akrilik, lembaran linoleum atau batu litografi. Teknik lain yang disebut dengan serigrafi atau cetak saring (screen-printing) menggunakan lembaran kain berpori yang direntangkan pada sebuah kerangka, disebut dengan screen. Cetakan kecil juga boleh dihasilkan dengan menggunakan permukaan kentang atau ketela.


Pembuat karya grafis memberi warna pada cetakan mereka dengan menggunakan banyak cara. Seringkali pewarnaannya -- dalam etsa, cetak saring, cukil kayu serta linocut -- diterapkan dengan menggunakan plat, papan atau screen yang terpisah atau dengan menggunakan pendekatan reduksionis. Dalam teknik pewarnaan multi-plat, terdapat sejumlah plat, screen atau papan, yang masing-masing menghasilkan warna yang berbeza. Tiap plat, screen atau papan yang terpisah akan diberi tinta dengan warna berbeza kemudian diterapkan pada tahap tertentu untuk menghasilkan keseluruhan gambar.biasanya hampir 3 hingga 4 plat digunakan, tapi adakalanya seorang seniman grafis menggunakan sampai tujuh plat. Tiap penerapan warna akan berinteraksi dengan warna lain yang telah diterapkan pada kertas, jadi sebelum menerapkan warna, pemisahan antara warna perlulah difikirkan dahulu.Biasanya warna yang paling terang diterapkan lebih dulu kemudian ke warna yang lebih gelap.

Pendekatan reduksionis untuk menghasilkan warna dimulai dengan papan kayu atau lino yang kosong atau dengan goresan sederhana. Kemudian seniman mencukilnya lebih lanjut, memberi warna lain dan mencetaknya lagi.Bahagian lino atau kayu yang dicukil akan mengekspos (tidak menimpa) warna yang telah tercetak sebelumnya.
Pada teknik grafis seperti chine-collé atau monotype, pegrafis kadang-kadang hanya mengecat warna seperti pelukis kemudian dicetak.
Konsep warna subtraktif yang juga digunakan dalam cetak offset atau cetak digital, di dalam software vektorial atau bitmap ditampilkan dalam CMYK atau ruang warna lain

Jenis cetakan

Jenis cetakan klasik merangkumi :
a) cetakan timbul ( relief )
b) cetakan benam ( intaglio )
c) cetakan datar ( planography/litography )
d) cetakan stensil/ saring sutera ( seriography )

Thursday, February 4, 2010


Dalam kita berkarya ada yang mengkritik dan dalam kita mengkritik ada kritikan lain. Sebahagian yang baik dalam berkarya dan dalam kritikan itu harus diingat nilai etika yang boleh membantu meletakkan nilai kritikan dan nilai karya itu sesuai untuk dihayati, saksama untuk diapresiasi dan berada dalam perbincangan yang sihat.

Kebiasaannya etika difahami dalam bentuk yang mudah sebagai garis panduan supaya antara artis dan pengkritik itu saling bantu membantu dan hormat menghormati. Mengikut Ku Seman dalam ruangan blog beliau( bertajuk “Blog, Adab dan Topeng” bertarikh 26 Mei 2009 menyatakan ada sumbangan intelektual yang dapat disebarkan dalam suasana mencintai ilmu, menghormati pemikiran orang lain seperti menghormati pemikiran sendiri. Suasana yang murni dan beretika dalam kritikan itu melahirkan pembuat karya itu terangsang untuk terus berkarya dan tahu bercakap serta berfikir tentang karya yang dihasilkan. Manakala pengkritik mendapat maklum balas positif bagi meningkatkan ilmu, membaiki fakta yang tertinggal dan menambahbaik elemen yang dapat menceliksenikan orang ramai.

Kritikan yang tidak beretika, nampak berat sebelah dan tiada dorongan bagi meningkatkan hasil karya dan boleh membawa interpritasi yang negatif. Ada lanjutan dari kritikan itu oleh pihak kedua dan berterusan untuk terus membunuh secara senyap nilai karya dan kreativiti pengkarya. Jika ada pihak ketiga yang mengamalkan kritikan beretika mungkin ianya dapat membantu mengharmonikan suasana kritikan itu dan suatu dailog ilmu yang sihat berkembang yang disebut oleh Ku Seman “mewujudkan nilai intelektual.”

Menurut Edmund Burke Feldman 1994, kita mesti mengelak dari konflik sewaktu membuat kritikan. Antaranya, elakkan membuat kritikan pada kerja-kerja sendiri atau rakan yang terdekat atau sahabat karib. Ini tidaklah bermaksud kritikan tidak boleh dilakukan kepada seseorang artis atau kawan sesama artis. Yang sepatutnya merapatkan perhubungan di mana dapat melahirkan kritikan yang adil dan saksama.
Selain itu Edmund menghuraikan bahawa pengkritik tidak boleh menggunakan komen yang boleh merosakkan reputasi seseorang atau sesuatu kumpulan. Semua hasil karya seni boleh menjadi senjata kepada seseorang atau kumpulan tertentu untuk melemahkan semangat kumpulan lain yang merupakan suatu tindakan yang kurang sihat.
Bila kita menulis perihal artis, kritikan dibuat bagi mencari kekuatan dan kelebihan di sebalik kekurangan yang ada.

Dengan cara ini pengkritik melakukan kerja ikhlas dan tidak didesak atas sebab kewangan atau oleh mana-mana pihak dari sebelah pihak artis. Kritikan sepatutnya tidak berdasarkan wang atau saguhati daripada pembeli atau pengedar seni atau sebarang egen yang mengendalikan urusan artis. Pengkritik tidak harus menerima hasil dari karya yang diberikan oleh artis walaupun pemberi itu rasa tidak bersalah. Pengkritik tidak boleh menerima hasil kerja seni sebagai hadiah daripada artis atau yang dihantar sebagai hadiah tanpa diketahui siapa pemberinya.
Sebagai pengkritik perlu ada suatu sikap untuk mencetuskan idea membina. Pengkritik cuba mengelak dari terlalu banyak mencari kesilapan, sebaliknya cuba mencetuskan sebanyak idea dengan mengutamakan tumpuan pada mengcungkil kekuatan dari setiap elemen dalam karya yang ada.

Kritikan tidak seharusnya menerima sebarang komisen daripada hasil jualan karya seni yang berkaitan dengan kritikan tersebut.
Apabila menerima kritikan anggaplah segala pendapat itu bertujuan memperbaiki kualiti atau nilai sesuatu karya, fakta tentangnya harus bersandarkan hujah dari rujukan yang boleh diperakui atau sekurang-kurangnya dari rujukan buku yang boleh menarik perhatian orang ramai.

Kritikan perlu jujur dari hal fakta tentang tarikh, sejarah, harga jualan dan sebagainya dan dipertimbangkan semula sama ada relevan atau sebaliknya. Secara umumnya banyak lagi etika yang sesama kita tidak mengendahkan kerana menganggap ianya kurang penting seperti :

• Kritikan juga tidak seharusnya bersandarkan kritikan yang lain seperti tuan punya galeri, pernyataan muzium secara rasmi yang bertujuan mempromosikan karya-karya artis atau dari mana-mana institusi tempat artis itu dilahirkan.
• Kritikan tidak sepatutnya menjadi nasihat peribadi atau sebagai perbincangan awam yang merujuk pada kenyataan-kenyataan berbentuk nasihat.
• Kritikan yang dibuat tidak harus menjadi laporan. Kritikan bersandarkan kepakaran seni dan tidak patut ada elemen nasihat antara penjual dan pembeli.
• Kritikan tidak harus menggunaan komentar untuk memburukkan artis atau persoalan bermotifkan sesuatu yang ditambah.
• Kritikan tidak harus diasingkan di antara satu krtikan dengan kritikan yang lain dengan maksud mencela nilai peribadi dan latarbelakang artis.
• Kritikan juga tidak harus dibuat berdasarkan interpritasi dari lain-lain kritikan kecuali munasabah dan ada kesesuaian.
• Akhirnya kritikan tidak harus menjadi ruang untuk mengenengahkan perkara yang tersembunyi di sebalik sesuatu yang pernah didengar.

Berdasarkan etika kritikan yang disyorkan oleh Edmund Burke Feldman 1994 ini, ia boleh menyedarkan pengkritik akan tugas mereka yang sebenar ke arah lebih positif untuk membina suasana yang sihat. Dengan kritikan yang bersandarkan kesedaran dapat mengaitkan hujah-hujah pada fakta, teknikal, sejarah dan stail yang tergolong sebagai kritikan yang membina dan boleh dijadikan sesi polimik yang sihat.
Kritikan yang positif boleh mencerminkan nilai peribadi tetapi tidak sepenuhnya boleh menjadi pengganti secara langsung kepada artis. Biarlah kritikan itu sebagai pengalaman yang asli dan baik berdasarkan hasil dan kesan estetik yang dimiliki oleh artis.

Kritikan yang melampau dan mendekati hal-hal politik, ideologi boleh menjadi penilaian yang berat sebelah. Sebagai suatu perbandingan, kritikan harus ada pertalian dengan kerja seni yang mempunyai persamaan dengan kerja-kerja seni yang lain dan membawa kesan secara keseluruhan. Keutamaan kritikan yang standard boleh dilakukan secara luaran dari kesan permulaan yang membawa pada konteks seterusnya dan memberi kesan-kesan positif.

Dengan nilai positif, kritikan yang dibuat mengikut merit menjadikan prinsip bagi melihat kekuatan atau kelemahan yang disempurnakan oleh bukti dan fakta. Ada kes yang menjadikan krtitikan secara sedar boleh mewakili hak orang ramai dan sebahagian hak artis dan yang bakinya kepunyaan dunia seni.
Perlu diingatkan juga, setiap karya seni dalam perkembangannya ada meninggalkan kesan yang menghampirkan diri artis dengan rahsia diri dan ada hubungkaitnya dengan pengalaman dalam karya.

Dalam pergerakan seni lukis di Malaysia, persoalan yang menjadi perbahasan berpanjangan telah dijadikan alasan yang baik namun masih berhati-hati. Inilah perkembangan yang berlaku di bidang seni tampak Malaysia dengan adat dan budaya yang saling hormat menghormati sesama artis dan pengkrtik seni. Dengan kehormatan yang diberi kepada golongan muda telah membawa semangat antara kritikan dan berkarya. Sebagai contoh, Redza Piyadasa dan Salleh Ben Joned yang memulakan semangat kritikan telah membawa suatu perkembangan dalam seni lukis Malaysia. Walaupun nampak suatu polimik yang tak berkesudahan tetapi sekadar riak-riak dalam cawan kopi dan tidak membawa kesan kontroversi yang berpanjangan.Dalam konteks tanggungjawab sosial, kritikan seni menurut Dr. Tan Chee Kuan menyatakan ramai di kalangan penulis, kolektor seni, artis, kurator berganding bahu mengangkat karya-karya seni tampak menjadi bernilai sebagai khazanah budaya. Melalui jalinan erat, maklumat yang tepat dan fakta-fakta yang betul, sumber-sumber seni diterokai bersama. Ada yang menyentuh hal kontroversi dalam kritikan dan sejarah seni yang tercatat itu dimanipulasikan dengan berhati-hati mengikut sudut pandangan peribadi yang saling menghormati.

Jika budaya membalas kembali kritikan dengan ayat dan perkataan yang tidak melambangkan nilai intelektual dan sebagainya maka samalah kita dengan apa yang pernah berlaku antara Ruskin dan Whistler. Berlaku saman menyaman antara pengkritik dengan artis dan terbongkar segala gosip serta perbincangan yang melanggari peraturan sehingga hilang rasa hormat menghormati antara artis dengan pengkritik. Walaupun nanti keputusan mahkamah akan memenangi seseorang kesannya berpanjangan. Jika salah seorang itu menang perbicaraan dan mendapat pengikhtirafan yang tinggi dan memberi signifikan yang baik ke atas kerjayanya tetapi semuanya akan rugi di akhir nanti.
Sepanjang perjalanan meneroka kehidupan seorang pelukis dan tempoh masa yang dilalui perlu dicatat dengan penuh tanggungjawab. Hal ini cuba dilakukan oleh Dr. Tan Chee Kuan. Tentu jawapannya adalah dari rasa tanggungjawab sosial dalam melaksanakan tanggungjawab berwibawa. Menerusi analisis dokumentasi yang bersesuaian dengan esei bagi menyangkal isu-isu yang samar-samar atau andaian bagi mencari kebenaran.
Dr. Tan Chee Kuan menggunakan pendekatan sejarah untuk mempengaruhi pembaca. Misalannya dalam isu siapakah yang patut mengangkat seniman Yong Mun Sen sebagai bapa seni lukis Malaysia telah menimbulkan perdebatan antara beliau dengan Piyadasa. Beliau mempengaruhi pembaca dari sudut kaca mata seorang kolektor seni dengan fakta-fakta sejarah. Hujahan beliau menyentuh esei-esei Piyadasa berhubung perkembangan pelukis-pelukis Pulau Pinang di sekitar tahun 1920 hingga 1990 dikatakan suatu analisis yang kurang mantap. Hujah Piyadasa dikatakan banyak bersandar kepada kenyataan yang dipetik melalui surat khabar dan bergantung pada penulisan-penulisan yang lepas. Dr. Tan beranggapan status seniman Yong Mun Sen sebagai bapa seni lukis Malaysia perlu disemak kembali dari kaca mata seorang pembeli dan kolektor seni kerana mereka mengetahui perjalanan sejarah seni dan tokoh seni. Hujah Dr. Tan disokong dengan cerita yang berkait dengan memori lama dari surat-surat, artikel-artikel yang dipetik dari akhbar sampai ke katalog pameran.
Begitulah isu dan kontroversi dalam kritikan seni memerlukan hujah yang meminta pengkritik kembali kepada sejarah, individu-individu yang terdekat dengan artis, ahli keluarga dan orang yang masih hidup dengan merujuk bahan dan surat yang masih ada.
Dalam melaksanakan peranan mencari kemurnian etika dalam kritikan kedua-dua pihak perlu menerima dengan jelas bahawa antara artis dan pengkritik berada pada dasar yang adil. Penerimaan yang jelas ini boleh membantu khalayak mengenali karya-karya seni dan pembuatnya, boleh mengetahui pembongkaran fakta sejarah dan perkembangan seni yang berkait-kait dalam lingkungan yang sangat luas. Ada dua motif utama secara adil yang menjadi dasar dalam mencari kemurnian etika antara pengkarya dan pengkritik iaitu :

• Menerapkan nilai adil pada asas-asas yang munasabah dalam menampakkan perbezaan antara kritikan melulu dengan kritikan berbantukan penglihatan dan tafsiran minda.
• Menerapkan nilai saksama bagi menunjukkan kenapa seni itu penting dalam aktiviti kehidupan manusia.

Apabila interpritasi dan penilaian karya seni dibuat, kritikan sepatutnya menekankan apa yang dapat diketahui oleh artis tentang dirinya. Artis pula memerlukan penganalisis, pengkritik sekaligus pendorong memotivasikan artis mengetahui segala kekuatannya. Gambaran visual sebagai saksi dokumentasi yang sah menjadi terbitan kata-kata dari mulut yang sah dan laporan sejarah dengan fakta yang betul. Nasihat akhir, apabila melakukan kritikan harus diyakini dan menjadi persediaan untuk membantu nilai estetik mengambil tempat dan nilai moral serta budaya tidak dilanggari. Manakala artis terus menglahirkan karya bertaraf unggul, menjadi karya penyambung tamadun, artifak sejarah budaya bangsa yang kekal sebagai khazanah harta intelek negara.



Apresiasi bolehlah didefinisikan sebagai kajian mengenai pelukis-pelukis atau pandai
tukang mengenai hasil-hasil seni mereka, faktor yang mempengaruhi mereka, cara
mereka bekerja, bagaimana mereka memilih tema dan ‘subject matter’ serta gaya dan
stail mereka .Semua ini berkait rapat dengan aspek pemahaman mereka dari aspek-
aspek kognitif. Ianya juga sebagai satu penghargaan terhadap penilaian dan perasaan terhadap sesuatu hasil seni itu. Ia boleh dikatakan sebagai pembentukan sikap, minat dan
kebolehan membuat pilihan dan ini berkait rapat dengan aspek-aspek afektif.

Menurut Smith (1966), apresiasi seni ini memerlukan
“logical operation such as defining, valuing and explaining”

Pendidikan seni harus dilihat dalam skop yang lebih luas. Umumya, para pendidik seni
beranggapan Pendidikan Seni di sekolah bukan sekadar meningkatkan kemahiran dan
teknik menghasilkan karya seni sahaja.

Menurut Chapman (1978)
“if treatart ifit were only a matter of learning acts an mastering technique, we deny its value and character”

Kebanyakan pendidik seni percaya bahawa melalui apresiasi karya seni, pelajar-
pelajar dapat memahami adat, tradisi dan nilai sesuatu masyarakat.

Macfee (1961) menegaskan bahawa
“…every culture, differences in value and belief are expressed through language an art
forms such as dress, architecture an decoration…”

Apresiasi seni melibatkan sepenuhnya deria rasa/sentuh dan deria pandang. Karya
seni seperti catan, lukisan, cetakan dipandang sementara acra dan binaan disentuh.
Apresiasi seni secara aktif melibatkan penggunaan bahasa untuk berkomunikasi
dengan orang lain apa yang difikirkan dan dirasakan. Dalam konteks ini pengetahuan
mengenai seni serta perbendaharaan kata yang cukup mengenai seni yang diperlukan.


a) Memahami dan bertindak terhadap aspek seni
b) Mengetahui pentingnya nilai seni dalam kehidupan
c) Menghasilkan karya (produk seni)
d) Memahami seni dan hubungannya
e) Membuat dan menggunakan pertimbangan estetik dan kualiti karya seni


Apresiasi seni membolehkan pelajar memahami aspek-aspek nilai estetika, pengertian
unsur-unsur seni dan nilai-nilai sosio budaya yang terkandung dalam hasil seni dan
kraf. Ianya juga dapat menghubungkaitkan diri dan hasil sendiri dengan hasil-hasil lain berdasarkan persepsi visual.Begitu juga dengan aktiviti apresiasi seni, kita dapat melihat perhubungan antara kerja
sendiri dengan kerja-kerja orang lain di mana kita dapat membentuk keyakinan dan
kefahaman penghargaan terhadap bidang seni
Pendekatan apresiasi dan kritikan seni:

Mengikut John A. Michael dalam bukunya “art and adolescence” ada dua pendekatan
dalam apresiasi seni iaitu:

a) Pendekatan secara logik
b) Pendekatan secara psiklogi


Pendekatan ini adalah berbentuk tradisional dan memerlukan pemahaman intelek
semata-mata dan banyak berfaktakan kepada aspek andaian dan munasabah pada
yang melihat sesuatu karya seni tersebut:
Cadangan aktiviti pendekatan secara logik:

Secara penerangan - Membaca, mengkaji, bila dihasilkan,
tujuan/teknik pelukis, media, proses, nilai-
nilai estetika dan pengaruh

Secara pemerhatian - Balai seni, pameran, filem, slaid,
mengumpul dan menyusun gambar-

Secara perbandingan - Analisa, penilaian, perbandingan antara
satu dengan yang lain serta menimbulkan

Secara penghasilan - Membuat mengikut gaya artis/stail,menimbulkan kefahaman masalah nilai- nilai khas, kepuasan, menghubungkan diri
dengan pelukis/pandai tukang gaya
konsep dan zaman.


Pendekatan ini merangkumi perkara-perkara yang lebih menjurus kepada perasaan
peribadi, lebih bersifat emosi dan perasaan dalaman kepada penghasilan dan
penghayatan sesuati karya seni.
Pendekatan ini akan dapat meninggalkan satu pengalaman yang amat berkesan dan
mendalam. Secara ini akan lebih realistik dan dapat menerima ‘response’ dan pendapat
orang lain. Kesan tindakbalas akan lebih terserlah terhadap bahan serta alat yang

Cadangan aktiviti pendekatan secara psikologi:

1. Secara perbincangan dan perbandingan
2. Secara proses inkuiri penemuan (discovery)
3. Secara kritikan mengenai lukisan/hasil kerja seni
4. Secara menyediakansetting/set induksi
5. Secara membesarkan gambar
6. Secara mengolah bahan-bahan sebenar
7. Secara aktiviti permainan seni
8. Secara lawatan/pameran
9. Secara koleksi buku-buku skrap dan lakaran


Kaedah-kaedah melihat seni terdiri daripada kaedah:

a) Hedonistic
b) Kontekstualistik
c) Organistik
d) Normistik
e) Elektik


Kaedah ini hanya satu luahann perasaan secara spontan seperti kesukaan, pernyataan
perasaan, gemar, menarik dan benci.
Penilaian dibuat secara serta merta iaitu:

• Suka/tidak
• Tertarik/tidak
• Pernyataan spontan

Kaedah ini tidak sealiran dengan isme pengkritik dan ahli psikologi menyatakan kaedah
ini tidak diterjemahkan oleh otak (pemikiran) Cuma berdasarkan maklumat kendiri.
Ianya tidak dapat di ukur bilangan sebenar dan terdapat pelgabai citarasa.


Kaedah ini lebih praktikat di mana pemerhatian dibuat secara lebih ilmiah, sistematik
dan kefahaman serta kejelasan. Ianya berkait dengan pengetahuan sejarah, falsafah
dan prinsip rekaan.Lebih rujuk kepada perincian/spesifikasi dari aspek persoalan fahaman, rentak pengkaryaan, interaksi pemerhati, konsepsi, hujah dan penilai karya.
Ianya akan menyediakan pengetahuan mantap dalam pengamata karya, kefahaman
konsep, kepelbagaian bandingan dan seni akan menjadi suatu pendekatan yang
menarik oleh pemerhati.


Kaedah ini menjurus kepada aturan yang mempunyai satu sistem yang teratur dan
terancang. Penilaian dibuat serata melihat konteks seni secara harmoni, menentuh
intuisi dan menyenangkan. Penekanan kriteria kapada aspek tata letak, tata atur, ruang
dan penataan cahaya.
Ini akan dapat membentuk kesatuan cara melihat sesuatu karya dari segi warna,
jalinan, unsur-unsur seni , imbangan, perulangan, kesinambungan serta kepelbagaian.


Kaedah ini merujuk kepada kriteria dan norma sesuatu karya dari aspek nilai
masyarakat, agama dan budaya. Ia seakan-akan ada kaitan dengan pendekatan diri
kepada Allah, rasa takwa, tidak ada unsure sensasi. Cntohnya lukisan agama Kristian
yang berkaitan unsur ikonografi, naratif dan nilai-nilai akhlak.
Kaedah ini menolak peradaban moden di mana pelukis telah melampaui batas yang
dibenar dalam budaya dan agama.


Kaedah ini lebih berbentuk cara bersepadu dan holistic, ianya aalah gabungan persepsi
penilai seni tentang tanggapan positif dan negatif. kriteria penilai menekankan unsur
asas prinsip, struktur organisasi dan alat dan bahan.
Kaedah ini untuk pemerhatian secara rawak, tidak menjurus kepada aspek
kronologinya. Wajaran hanya secara baik, sederhana dan kurang baik.

Terdapat berbagai cadangan oleh beberapa pakar pendidikan seni mengenai proses
apresiasi. Feldman (1967) dan smith (1967) mencadangkan aktiviti-aktiviti apresiasi seni berasaskan kepada proses persepsi dan intelektual melalui empat tahap:

a) Menggambarkan
b) Menganalisa
c) Tafsiran
d) Penilaian

Mengamati hasil seni dan menggambarkab sifat-sifat tampak seperti warna, garisan,
bentuk, rupa, jalinan dan elemen-elemen gubahan iaitu prinsip dan struktur


i. Menganalisa perhubungan sifat-sifat tampak seperti unsure-unsur seni, prinsip
dan stuktur
ii. Menganalisa kualiti ekspresif seperti mood dan suasana
iii. Menghauraikan stail sesuatu karya


i. Mencari makna-makna yang tedapat pada sifat-sifat tampak seperti subjek,
symbol, unsure-unsur seni, prinsip, strktur, corak dan bahan
ii. Mencari metafora-metafora (ibarat/kiasan) an analogi-analogi (persamaan) untuk
menjelaskan makna tersebut.


i. Membuat penilaian berdasarkan kepada criteria yang bersesuaian seperti
keaslian, gubahan, teknik dan fungsi
ii. Menilai hasil seni berdasarkan kepada pengertiannya dari segi individu, social,
keaagamaan dan kepercayaan, sejarah serta keseniaannya.